13 mostre da non perdere nei musei di New York quest’autunno

Sono passati più di 30 anni dall’ultima grande mostra dedicata a Roy Lichtenstein a New York, e il Whitney Museum sta per recuperare il tempo perduto in grande stile.

In programma dall’11 ottobre, “Roy Lichtenstein: Like New ” riunisce oltre 130 opere che abbracciano sei decenni, dai primi anni ’40 fino agli anni ’90.

Questa mostra approfondisce come Lichtenstein abbia trasformato fumetti, pubblicità e immagini di massa in opere d’arte che sembravano realizzate a macchina, ma che in realtà erano state meticolosamente dipinte a mano.

Aspettati di vedere tutte le opere iconiche che speri di trovare, tra cui *Drowning Girl*, *Look Mickey* e *Masterpiece*, insieme a una mossa curatoriale davvero audace: la mostra riunisce per la prima volta in assoluto tutte e otto le opere del storico debutto pop di Lichtenstein del 1962 alla Leo Castelli Gallery, ricreando quell’ambiente intimo e originale della galleria, così che i visitatori possano vivere le opere esattamente come fece il pubblico nel lontano 1962.

C’è anche una riproduzione lunga quasi 96 piedi del suo murale di Greene Street e una presentazione all’aperto di *Girl in Window*, allestita dall’artista e co-curatore Alex Da Corte.

Quei ragazzini dagli occhi spalancati e dalla testa grande che ti fissano da mille borse di tela e post su Instagram stanno vivendo il loro primo grande momento newyorkese dopo quasi un decennio.

L’artista giapponese Yoshitomo Nara quest’autunno occuperà contemporaneamente due sedi della David Zwirner, ovvero gli spazi della galleria al 537 West 20th Street e al 533 West 19th Street a Chelsea: si tratta sia della sua prima mostra personale con Zwirner che della sua prima grande esposizione a New York dalla metà degli anni 2010.

La mostra abbina dipinti nuovissimi del 2026 a opere fondamentali degli anni ’80, offrendo uno sguardo raro su come lo stile di Nara si sia silenziosamente evoluto nel corso di quattro decenni.

I suoi ultimi ritratti frontali si orientano verso una tavolozza di colori più tenui e sfumati rispetto ai toni vivaci a cui i fan di lunga data potrebbero aspettarsi, con una pennellata diffusa che conferisce alle tele una profondità quasi nebbiosa e suggestiva.

Altre nuove opere nascono come schizzi a matita colorata prima di essere sfumate con acrilico traslucido, e le figure che ne risultano hanno quello sguardo incerto e pieno di lacrime che sembra molto più vulnerabile rispetto ai suoi lavori precedenti, più punk.

Allo spazio sulla 19ª Strada, tredici delle imponenti teste scultoree di Nara sono le protagoniste assolute. Rivestite di uretano bianco opaco, sono ingrandimenti di dieci volte rispetto ai piccoli prototipi in argilla che Nara aveva originariamente scolpito a mano, e sono state realizzate appositamente per evocare i “mostri” di neve che ricorda dagli inverni della sua infanzia nelle campagne del nord del Giappone. Stare davanti a una di queste sculture ingrandite a dimensioni monumentali, osservando come la luce si riflette su quel volto morbido e sovradimensionato, è un’esperienza davvero strana e silenziosamente commovente.

Questa mostra immersiva porta la prima americana di *Mind of a Serial Killer* in uno spazio di 24.500 piedi quadrati al 526 della 6th Avenue a Union Square, svelando la psicologia, il contesto e le motivazioni dietro 20 dei serial killer più famigerati della storia.

Attraverso più di 20 tappe, i visitatori si muovono tra scene del crimine ricreate meticolosamente , tra cui il Maggiolino di Ted Bundy e la cucina di Jeffrey Dahmer, ripercorrendo l’evoluzione dei crimini seriali dai primi anni del 1900 fino ai casi più famigerati di oggi.

Un ufficio investigativo ricostruito permette agli ospiti di approfondire i fattori che possono spingere qualcuno a commettere un omicidio, mentre una componente VR inclusa (nei biglietti VIP) ti catapulta direttamente all’interno di un’indagine simulata, con il compito di scoprire la verità da solo.

La mostra riporta un vero e proprio avviso di pericolo — sono esposti contenuti espliciti e inquietanti che coinvolgono vittime di tutte le età — e richiede ai visitatori di firmare una liberatoria digitale prima di entrare; si consiglia inoltre di utilizzare un’audioguida per il percorso completo, della durata di 90-120 minuti.

Questa storica mostra al Met riunisce le opere di Lee Krasner e Jackson Pollock, ripercorrendo le loro vite intrecciate dal loro incontro a New York nel 1941, passando per il matrimonio del 1945 e il trasferimento a Springs, Long Island, fino alla morte di Pollock nel 1956.

È pubblicizzata come la prima grande mostra newyorkese dedicata a entrambi gli artisti in oltre due decenni, e la prima in assoluto a esaminare fianco a fianco l’intero percorso delle loro carriere.

La mostra presenta oltre 120 opere e prende il sottotitolo da un dipinto di Krasner del 1976, incentrando l’esposizione su vite artistiche parallele plasmate dapprima da esperienze condivise e poi dalla memoria.

Il contrasto tra le loro origini distinte – Krasner nata a Brooklyn da genitori ebrei ucraini immigrati, Pollock cresciuto a Los Angeles e nel West americano – mostra come questi background diversi siano convergiti nella rottura dell’Espressionismo Astratto.

I visitatori potranno ammirare la rivoluzionaria tecnica del “drip” di Pollock insieme alle variegate esplorazioni dell’astrazione di Krasner, ispirate alla natura e al colore; la mostra ridefinisce volutamente il contributo di Krasner, a lungo sottovalutato, mettendolo sullo stesso piano di quello del marito.

Fino al 14 agosto 2026, questa installazione sul lungomare di Chelsea Piers ospita un evento crossover a edizione limitata che la maggior parte dei visitatori non potrà vedere una seconda volta: BTS THE CITY ARIRANG, una collaborazione che unisce l’arte digitale ispirata alla natura dell’Arte Museum alle gallerie dedicate di ETERNAL ARIRANG, come ARIRANG WAVE e ARIRANG GARDEN.

La mostra punta molto su un’esperienza sensoriale a tutto tondo: il compositore Young-gyu Jang ha creato una colonna sonora originale per lo spazio, mentre la profumiera Marianne Nawrocki Sabatier ha ideato fragranze su misura che vengono diffuse in stanze specifiche mentre i visitatori si muovono attraverso vasti paesaggi proiettati fatti di luce, suono e movimento.

L’esperienza si conclude all’ARIRANG CAFE, dove il servizio da tè funge anche da display multimediale interattivo da tavolo.

Liu Wei è famoso per aver costruito monumenti architettonici con ossi da masticare per cani, e quest’autunno porta lo stesso istinto di trasformare il banale in monumentale sulla facciata in stile Beaux-Arts del Met.

Quattro sculture su larga scala riempiranno le nicchie della facciata sulla Fifth Avenue, segnando la prima grande esposizione negli Stati Uniti dell’artista di Pechino e la settima edizione della serie annuale “Genesis Facade Commission” del museo.

A cura di Lesley Ma, le opere rielaborano motivi familiari – frammenti dell’ambiente urbano, riferimenti storici e forme corporee – in opere composite costruite con un mix di materiali pensati per suscitare sensazioni complesse, a volte contraddittorie. Un motivo ricorrente, quello della mano, si intreccia in tutte e quattro le sculture, fungendo da ponte tra il riconoscibile e il fantastico, mentre il progetto nel suo insieme affronta i cicli di rottura, resistenza, ricomposizione e creazione nel corso della storia, senza limitarsi a una singola narrazione.

«Il suo lavoro penetra sempre in modo avvincente le percezioni della realtà con un mix di crudezza e raffinatezza», ha detto Ma parlando di Liu prima dell’annuncio, aggiungendo di essere curiosa di vedere come lui «sfidi le nostre aspettative riguardo alle nicchie classiche e alle sculture pubbliche».

La commissione segue Jeffrey Gibson (2025), Lee Bull (2024), Nairy Baghramian (2023), Hew Locke (2022), Carol Bove (2021) e Wangechi Mutu (2019) in una serie che è diventata uno degli interventi contemporanei più seguiti del Met. Chi vuole ascoltare direttamente l’artista può partecipare a “An Evening with Liu Wei” il 22 settembre al Met Fifth Avenue.

Questa è la più grande retrospettiva museale mai realizzata sull’opera di Arthur Jafa, che occupa due interi piani dell’edificio del New Museum, recentemente ampliato e progettato da OMA, e ripercorre quasi quarant’anni di una carriera che lo ha reso uno degli artisti più influenti della sua generazione.

Intitolata in onore del leggendario batterista jazz Tony Williams, la mostra ripercorre l’evoluzione di Jafa dai suoi primi film alle più recenti installazioni video, seguendo un linguaggio visivo i cui ritmi e sincopi riecheggiano volutamente le aspirazioni della musica popolare afroamericana.

Oltre al debutto di nuove opere, la mostra riunisce i suoi lavori più celebri, tra cui *Love is the Message, The Message is Death* (2016) e *The White Album* (2019), vincitore del Leone d’Oro, oltre a dipinti recenti, installazioni video su larga scala e una serie di oggetti scultorei e fotografici.

Nel corso della sua carriera, Jafa ha cercato nuove forme visive in grado di catturare il ritmo e la realtà effettivi della vita dei neri in America, mettendo in tensione il crescente confronto della nazione con la violenza istituzionale contro le comunità nere e la contemporanea ascesa della cultura, della musica e dell’intrattenimento neri al centro dell’identità americana. Il risultato è un’opera che guarda senza esitazione al passato, rispecchiando al contempo la nostra ossessione odierna per le immagini e i “contenuti” infiniti.

Filmati reali della NASA, una serie vincitrice di un Emmy e un formato VR in libertà che ti permette di camminare davvero nei corridoi della Stazione Spaziale Internazionale:“Space Explorers” ha fatto il suo debutto a New York e ha già attirato più di 500.000 visitatori nelle varie tappe in giro per il mondo.

L’esperienza, della durata di circa 40 minuti, è composta da scene tratte da “Space Explorers: THE INFINITE”, tra cui filmati a 360 gradi della prima passeggiata spaziale in assoluto, ripresi in realtà virtuale cinematografica, che offrono ai visitatori una vista della Terra da 250 miglia di altezza che la maggior parte delle persone non potrà mai vedere in nessun altro modo.

Consigliato a partire dagli 8 anni, lo spettacolo propone attualmente una promozione a tema eclissi fino al 15 agosto 2026, con uno sconto del 10% sui biglietti acquistati online.

Questa mostra al Guggenheim segna la prima volta che il museo dedica l’intera rotonda a una nuova serie di opere di un singolo artista che lavora con la fotografia e il video, e arriva proprio in occasione del 250° anniversario degli Stati Uniti.

Frutto di dieci anni di lavoro, “Father Country I Do Love You” è considerato il progetto più ampio e personale di Taryn Simon fino ad oggi: ripercorre la vita reale di un agente federale anonimo attraverso 42 opere d’arte distinte che combinano fotografie inedite, testi, video e sculture in un’unica installazione interattiva.

L’opera funziona come un labirinto di storie interconnesse, seguendo le ripercussioni delle azioni e delle omissioni dell’agente mentre lavorava come intermediario, raccogliendo prove che altri avrebbero poi inserito in un quadro più ampio, con conseguenze che hanno raggiunto nazioni e vite di cui lui non avrebbe mai saputo nulla.

Simon dedica l’opera a suo padre, che ha trascorso anni viaggiando tra Thailandia, Russia, Iran, Israele, Cina, Afghanistan e Corea per conto del governo statunitense prima di passare alla produzione di giochi da sala giochi: una storia che ha iniziato a ricostruire solo dopo che la diagnosi di Alzheimer gli ha reso chiaro che non avrebbe mai potuto sentire il resto della storia dalle sue stesse parole.

Prima di diventare vetrate luminose o lampade iconiche, le opere più celebri dei Tiffany Studios sono nate come disegni ad acquerello — e quest’autunno, il Met sta finalmente mettendo sotto i riflettori proprio quegli schizzi preparatori.

La mostra riunisce quasi 120 disegni raramente esposti provenienti dalla collezione del Met, la più grande raccolta al mondo di bozzetti di Tiffany, insieme a una selezione di prestiti di grande rilievo.

Coprendo commissioni dalla metà degli anni ’80 del XIX secolo fino agli anni ’20 del XX, i disegni tracciano il primo passo del processo artistico alla base degli interni e delle decorazioni realizzati per grandi dimore, luoghi di culto ed edifici pubblici in tutta l’America e all’estero, compresi progetti in Canada, Messico, Cuba e Svizzera. Molti documentano opere che da allora sono andate perdute, danneggiate o distrutte, mentre altri conservano idee che lo studio di Tiffany non ha mai potuto realizzare, offrendo ai visitatori uno sguardo autentico su concetti che altrimenti sarebbero svaniti.

Il pezzo forte della mostra è una riunione attesa da decenni: la monumentale vetrata del Chrysler Museum of Art intitolata *Woman in a Pergola with Wisteria* (1911) sarà esposta insieme ai suoi traversi originali decorati con glicini, recentemente ritrovati in una casa privata in Arizona.

La curatrice Alice Cooney Frelinghuysen lo definisce «un momento particolarmente intenso, che permette ai visitatori di vedere la trasformazione di un’idea in un’opera d’arte luminosa», ed è la prima volta che l’insieme viene esposto al completo da almeno mezzo secolo.

Organizzata per temi che spaziano dalle commissioni domestiche a quelle ecclesiastiche e pubbliche/commerciali, la mostra abbina una selezione di disegni direttamente alle vetrate, ai mosaici, agli smalti e alle lampade che ne sono derivati, così i visitatori possono seguire l’intero percorso di un progetto, dallo schizzo a grafite al vetro finito.

Allestita proprio nella strada che racconta, questa è la prima mostra in assoluto a ripercorrere i 500 anni di storia del Bowery, la via più antica di New York, dal sentiero dei Lenape al quartiere malfamato fino a diventare il cuore pulsante del mondo dell’arte contemporanea.

Curata dalla direttrice emerita Lisa Phillips con l’assistente curatrice Thalia Stefaniuk, la mostra raccoglie opere d’arte e reperti che considerano il Bowery non solo come una strada o un quartiere, ma come uno stato d’animo, definito dagli estremi.

La mostra ripercorre le molteplici vite di questa strada: terreni agricoli e mandrie in transumanza, ippodromi e giardini di divertimento, e più tardi una chiassosa zona di intrattenimento piena di teatri, sale da concerto, studi di tatuaggi e musei da quattro soldi. Quella reputazione chiassosa, grintosa e muscolosa alla fine le valse il soprannome di “Devil’s Mile” — molto prima che diventasse nota come la zona malfamata più famigerata del mondo, e molto prima che si trasformasse nella fiorente comunità di artisti che ha dato il via a un’ennesima reinvenzione.

Il cast di personaggi che popola lo spettacolo abbraccia secoli e discipline, da Peter Stuyvesant, P.T. Barnum e Jacob Riis a William Burroughs, Eva Hesse e Keith Haring: una line-up che coglie appieno quante New York diverse si siano scontrate su questo unico tratto di Manhattan.

È un tema perfetto per il New Museum, visto che la stessa istituzione ha sede proprio nel Bowery, ora all’interno del suo edificio recentemente ampliato e progettato da OMA.

M.C. Escher superòa malapena l’esame finale di matematica al liceo, eppure riuscì a creare alcune delle opere d’arte matematicamente più sofisticate del XX secolo — e quest’autunno, il MoMath racconta finalmente quel lato della sua storia.

Questa è la prima grande mostra su Escher a Manhattan, che si distingue dalle precedenti retrospettive perché approfondisce in modo specifico le strutture matematiche alla base della sua architettura impossibile, dei suoi mosaici e dei suoi paradossi visivi.

La mostra riunisce oltre 60 incisioni su legno, litografie, xilografie, mezzotinte e disegni, oltre alle tavole di legno originali e alla pietra litografica su cui Escher ha lavorato, insieme a oggetti tridimensionali da lui stesso progettati. I materiali esplicativi presenti nelle gallerie svelano la simmetria, l’infinito, la geometria e la prospettiva insiti in ogni opera, permettendo ai visitatori di scoprire come una “teoria da profano” autodidatta sulle forme che riempiono un piano si sia trasformata in alcune delle illusioni ottiche più riconoscibili della storia dell’arte.

La mostra è stata ideata in collaborazione con un gruppo di studiosi di Escher davvero di prim’ordine, tra cui l’esperta di lunga data Doris Schattschneider, il matematico Chaim Goodman-Strauss del MoMath, il professore Jürgen Richter-Gebert dell’Università Tecnica di Monaco e l’amico di famiglia di Escher David Masunaga.

Questo parco giochi sensoriale occupa il Court B, al terzo piano del centro commerciale American Dream nel New Jersey, trasformando un’intera suite di otto stanze a tema in un universo surreale e colorato, costruito quasi interamente con bolle di sapone.

I visitatori passano da installazioni di bolle giganti a un vero e proprio bagno di schiuma (calzini obbligatori), utilizzando tecnologia VR, simulatori e illusioni ottiche per coinvolgere tutti e cinque i sensi all’interno di paesaggi fantastici e onirici.

È pensato per tutte le età: i bambini fino a 2 anni entrano gratis e quelli fino a 18 anni devono essere accompagnati da un adulto, il che lo rende tanto una gita in famiglia quanto un’occasione per scattare foto originali.