Dicen que el arte imita a la vida, ¡pero este otoño los museos y galerías de Nueva York le están dando a la vida una buena competencia!
A medida que las hojas empiezan a cambiar de color, también lo hace la escena artística de Nueva York, y este otoño lo hace a lo grande.
Entre retrospectivas de gran éxito en museos, galerías transformadas y experiencias inmersivas que difuminan la línea entre espectador y participante, ¡la ciudad te ofrece un sinfín de formas de saciar tu sed de cultura!
Tanto si eres de los que te quedas mirándote un cuadro durante veinte minutos como si prefieres ponerte unas gafas de realidad virtual y flotar por el espacio, en esta lista hay algo pensado para ti.
Hemos recopilado las exposiciones por las que merece la pena reservar tu fin de semana este otoño, así que sigue bajando y empieza a planificar tu próxima ruta artística por Nueva York.
Roy Lichtenstein: Like New en el Museo Whitney
Han pasado más de 30 años desde la última gran exposición de Roy Lichtenstein en Nueva York, y el Museo Whitney está a punto de recuperar el tiempo perdido a lo grande.
A partir del 11 de octubre, la exposición «Roy Lichtenstein: Like New» reúne más de 130 obras que abarcan seis décadas, desde principios de los años 40 hasta los 90.
Esta exposición profundiza en cómo Lichtenstein convirtió los cómics, los anuncios y las imágenes producidas en masa en obras de arte que parecían hechas a máquina, pero que en realidad estaban pintadas meticulosamente a mano.
Prepárate para ver todos los iconos que esperas, como «Drowning Girl», «Look Mickey» y «Masterpiece», junto con una apuesta curatorial realmente atrevida: la exposición reúne por primera vez las ocho obras del histórico debut pop de Lichtenstein en 1962 en la Galería Leo Castelli, recreando ese ambiente íntimo original de la galería para que los visitantes puedan disfrutar de las obras tal y como lo hizo el público allá por 1962.
También hay una recreación de casi 96 pies de largo de su «Greene Street Mural» y una presentación al aire libre de «Girl in Window», puesta en escena por el artista y cocomisario Alex Da Corte.
Yoshitomo Nara en David Zwirner
Esos niños de ojos muy abiertos y cabeza grande que te miran fijamente desde miles de bolsos y publicaciones de Instagram están viviendo su primer gran momento neoyorquino en casi una década.
El artista japonés Yoshitomo Nara se adueña este otoño de dos sedes de David Zwirner a la vez, ocupando los espacios de la galería en el 537 West 20th Street y el 533 West 19th Street, en Chelsea. Se trata tanto de su primera exposición individual con Zwirner como de su primera gran muestra en Nueva York desde mediados de la década de 2010.
La exposición combina 2026 pinturas totalmente nuevas con obras fundamentales de la década de 1980, lo que te permite ver de primera mano cómo el estilo de Nara ha ido cambiando discretamente a lo largo de cuatro décadas.
Sus últimos retratos de frente apuestan por una paleta de colores más apagada y matizada que los tonos intensos que los seguidores de toda la vida podrían esperar, con una pincelada difusa que da a los lienzos una profundidad atmosférica casi brumosa.
Otras obras nuevas empiezan como bocetos a lápiz de color antes de ser pintadas con acrílico translúcido, y las figuras resultantes tienen esa mirada incierta y llena de lágrimas que las hace parecer mucho más vulnerables que sus trabajos anteriores, más punk.
En el espacio de la calle 19, trece de las enormes cabezas escultóricas de Nara acaparan toda la atención. Recubiertas de uretano blanco mate, son ampliaciones diez veces mayores de pequeños prototipos de arcilla que Nara esculpió originalmente a mano, y están creadas a propósito para evocar los «monstruos» de nieve que recuerda de los inviernos de su infancia en la zona rural del norte de Japón. Estar delante de una de ellas, ampliada a una escala monumental, y ver cómo la luz incide sobre ese rostro suave y desproporcionado, es una experiencia realmente extraña y silenciosamente conmovedora.
Esta exposición inmersiva trae el estreno en EE. UU. de «Mind of a Serial Killer» a un recinto de 24 500 pies cuadrados situado en el 526 de la 6.ª Avenida, en Union Square, donde se desentrañan la psicología, los antecedentes y los motivos que se esconden tras 20 de los asesinos en serie más notorios de la historia.
A lo largo de más de 20 paradas, los visitantes recorren escenas del crimen meticulosamente recreadas, como el «Beetle» de Ted Bundy y la cocina de Jeffrey Dahmer, siguiendo la evolución de los crímenes en serie desde principios del siglo XX hasta los casos más infames de la actualidad.
Una oficina de investigación de campo recreada permite a los visitantes profundizar en los factores que pueden llevar a alguien a cometer un asesinato, mientras que un componente de realidad virtual incluido (en las entradas VIP) te sitúa directamente en el centro de una investigación simulada, con la misión de descubrir la verdad por ti mismo.
La exposición lleva una advertencia real —se muestra contenido explícito y perturbador que afecta a víctimas de todas las edades— y exige que los visitantes firmen una exención de responsabilidad digital antes de entrar; además, se recomienda una audioguía para el recorrido completo, que dura entre 90 y 120 minutos.
Krasner y Pollock: «Past Continuous » en el Met
Esta emblemática exposición del Met reúne la obra de Lee Krasner y Jackson Pollock, trazando sus vidas entrelazadas desde su encuentro en Nueva York en 1941, pasando por su matrimonio en 1945 y su traslado a Springs, en Long Island, hasta la muerte de Pollock en 1956.
Se presenta como la primera gran exposición en Nueva York dedicada a cualquiera de estos dos artistas en más de dos décadas, y la primera muestra que examina en paralelo toda la trayectoria de ambos.
La exposición cuenta con más de 120 obras y toma su subtítulo de un cuadro de Krasner de 1976, enmarcando la muestra en torno a vidas artísticas paralelas moldeadas primero por experiencias compartidas y más tarde por el recuerdo.
Contrasta sus raíces tan distintas —Krasner nació en Brooklyn, hija de inmigrantes judíos ucranianos; Pollock se crió en Los Ángeles y en el Oeste americano— y muestra cómo estos orígenes tan diferentes convergieron en la ruptura del expresionismo abstracto.
Los visitantes podrán ver la revolucionaria técnica del «goteo» de Pollock junto a las variadas exploraciones de la abstracción de Krasner, inspiradas en la naturaleza y el color. La exposición replantea deliberadamente las contribuciones de Krasner, durante mucho tiempo infravaloradas, situándolas en pie de igualdad con las de su marido.
Hasta el 14 de agosto de 2026, esta instalación frente al mar en Chelsea Piers presenta una colaboración limitada que la mayoría de los visitantes no podrán ver dos veces: BTS THE CITY ARIRANG, una colaboración que combina el arte digital inspirado en la naturaleza del Arte Museum con galerías dedicadas a ETERNAL ARIRANG, como ARIRANG WAVE y ARIRANG GARDEN.
La exposición apuesta fuerte por un diseño totalmente sensorial: el compositor Young-gyu Jang ha creado una banda sonora original para el espacio, y la perfumista Marianne Nawrocki Sabatier ha elaborado aromas a medida que se difunden en salas específicas mientras los visitantes recorren amplios paisajes proyectados de luz, sonido y movimiento.
La experiencia culmina en el ARIRANG CAFE, donde el servicio de té se convierte también en una pantalla multimedia interactiva integrada en la mesa.
La comisión de la fachada «Genesis»: Liu Wei, «Speculation » en el Met
Liu Wei es famoso por haber construido hitos arquitectónicos con juguetes masticables para perros, y este otoño lleva ese mismo instinto de transformar lo cotidiano en algo monumental a la propia fachada de estilo Beaux-Arts del Met.
Cuatro esculturas a gran escala llenarán los nichos de la fachada de la Quinta Avenida, lo que supone la primera gran exposición en Estados Unidos de este artista afincado en Pekín y la séptima entrega de la serie anual «Genesis Facade Commission» del museo.
Comisariada por Lesley Ma, la exposición remezcla motivos familiares —fragmentos del entorno urbano, referencias históricas y formas corporales— en piezas compuestas a partir de una mezcla de materiales destinadas a provocar sentimientos complejos, a veces contradictorios. Un motivo recurrente de manos recorre las cuatro esculturas, sirviendo de puente entre lo reconocible y lo fantástico, y el proyecto en su conjunto aborda los ciclos de ruptura, resistencia, reparación y creación a lo largo de la historia, en lugar de limitarse a una única narrativa.
«Su obra siempre traspasa de forma cautivadora las percepciones de la realidad con una mezcla de crudeza y refinamiento», dijo Ma sobre Liu antes del anuncio, y añadió que tiene curiosidad por ver cómo «desafía nuestras expectativas respecto a los nichos clásicos y a las esculturas públicas».
Este encargo sigue los pasos de Jeffrey Gibson (2025), Lee Bull (2024), Nairy Baghramian (2023), Hew Locke (2022), Carol Bove (2021) y Wangechi Mutu (2019) en una serie que se ha convertido en una de las intervenciones contemporáneas más seguidas del Met. Si quieres escuchar directamente al artista, no te pierdas «Una velada con Liu Wei» el 22 de septiembre en el Met de la Quinta Avenida.
Arthur Jafa: «I Am Tony» en el New Museum
Esta es la mayor exposición museística hasta la fecha sobre la obra de Arthur Jafa, que ocupa dos plantas completas del edificio del New Museum —recientemente ampliado y diseñado por OMA— y abarca casi cuarenta años de una trayectoria que lo ha convertido en uno de los artistas más influyentes de su generación.
La exposición, que lleva el nombre del legendario baterista de jazz Tony Williams, traza la evolución de Jafa desde sus primeras películas hasta sus instalaciones de vídeo más recientes, siguiendo un lenguaje visual cuyos ritmos y síncopas se hacen eco deliberadamente de las aspiraciones de la música popular negra.
Además del estreno de nuevas obras, la exposición reúne sus piezas más aclamadas, entre ellas *Love is the Message, The Message is Death* (2016) y *The White Album* (2019), ganadora del León de Oro, además de pinturas recientes, instalaciones cinematográficas a gran escala y una amplia gama de objetos escultóricos y fotográficos.
A lo largo de su carrera, Jafa ha buscado nuevas formas visuales capaces de capturar el ritmo y la realidad de la vida negra en Estados Unidos, situando el creciente reconocimiento nacional de la violencia institucional contra las comunidades negras en tensión con el simultáneo auge de la cultura, la música y el entretenimiento negros en el centro de la identidad estadounidense. El resultado es una obra que mira sin pestañear al pasado, al tiempo que refleja nuestra obsesión actual por las imágenes y el «contenido» infinito.
Imágenes reales de la NASA, una serie original ganadora de un Emmy y un formato de realidad virtual de libre movimiento que te permite pasear de verdad por los pasillos de la Estación Espacial Internacional:«Space Explorers» ha hecho su debut en Nueva York y ya ha atraído a más de 500 000 visitantes en sus paradas por todo el mundo.
La experiencia, de unos 40 minutos de duración, se basa en escenas de «Space Explorers: THE INFINITE», incluyendo imágenes de 360 grados de la primera caminata espacial de la historia captadas en realidad virtual cinematográfica, lo que ofrece a los visitantes unas vistas de la Tierra desde 250 millas de altura que la mayoría de la gente nunca verá de otra forma.
Recomendado para mayores de 8 años, el espectáculo tiene ahora mismo una promoción con temática del eclipse hasta el 15 de agosto de 2026, con un 10 % de descuento en las entradas online.
Taryn Simon: «Father Country I Do Love You » en el Guggenheim
Esta exposición del Guggenheim supone la primera vez que el museo dedica toda su rotonda a una nueva colección de obras de un único artista que trabaja en fotografía y vídeo, y llega justo en el 250.º aniversario de los Estados Unidos.
Tras diez años de trabajo, «Father Country I Do Love You» se presenta como el proyecto más ambicioso y personal de Taryn Simon hasta la fecha, que recorre la vida real de un agente federal anónimo a través de 42 obras de arte individuales que combinan fotografías inéditas, textos, vídeos y esculturas en una única instalación interactiva.
La obra funciona como un laberinto de historias entrelazadas, que sigue las repercusiones de las acciones y omisiones del agente mientras trabajaba como intermediario, recopilando pruebas para que otros las encajaran en un panorama más amplio, con consecuencias que afectaron a naciones y vidas que él nunca llegaría a conocer.
Simon dedica la obra a su propio padre, que pasó años viajando por Tailandia, Rusia, Irán, Israel, China, Afganistán y Corea para el Gobierno de EE. UU. antes de dar un giro a su carrera y dedicarse a fabricar juegos de recreativos; una historia que empezó a desentrañar solo después de que su diagnóstico de Alzheimer dejara claro que nunca escucharía el resto de la historia de su propia boca.
«Diseñando la Edad Dorada: Dibujos de los estudios de Louis C. Tiffany» en el Met
Antes de convertirse en luminosas vidrieras o lámparas icónicas, las obras más famosas de Tiffany Studios comenzaron como bocetos en acuarela, y este otoño, el Met por fin les dedica a esos bocetos su propio protagonismo.
La exposición reúne cerca de 120 dibujos poco conocidos de la colección del Met —el mayor fondo de bocetos de diseño de Tiffany que existe— junto con una selección de préstamos destacados.
Con encargos que abarcan desde mediados de la década de 1880 hasta los años veinte, los dibujos trazan el primer paso del proceso artístico que hay detrás de los interiores y decoraciones creados para grandes mansiones, lugares de culto y edificios públicos por toda América y en el extranjero, incluyendo proyectos en Canadá, México, Cuba y Suiza. Muchos documentan obras que desde entonces se han perdido, dañado o destruido, mientras que otros conservan ideas que el estudio de Tiffany nunca llegó a llevar a cabo, lo que te permite echar un vistazo auténtico a conceptos que, de otro modo, habrían desaparecido.
La pieza central de la exposición es un reencuentro que ha tardado décadas en hacerse realidad: la monumental vidriera del Museo de Arte Chrysler, *Mujer en una pérgola con glicinas* (1911), se exhibirá junto a sus travesaños originales con motivos de glicinas, recientemente redescubiertos en una casa particular de Arizona.
La comisaria Alice Cooney Frelinghuysen lo describe como «un momento especialmente impactante, que permite a los visitantes ver cómo una idea se transforma en una luminosa obra de arte», y es la primera vez que el conjunto se expone al completo en al menos medio siglo.
Organizada temáticamente en torno a encargos domésticos, eclesiásticos y públicos/comerciales, la exposición empareja dibujos seleccionados directamente con las vidrieras, mosaicos, esmaltes y lámparas terminadas que dieron lugar a ellos, para que los visitantes puedan seguir todo el proceso de un diseño, desde el boceto a lápiz hasta el cristal acabado.
The Bowery: Devil’s Mile en el New Museum
Organizada, como no podía ser de otra manera, en la misma calle que narra, esta es la primera exposición que recorre los 500 años de historia del Bowery, la vía pública más antigua de Nueva York, desde el sendero de los lenape hasta el barrio marginal y, finalmente, hasta convertirse en el corazón palpitante del mundo del arte contemporáneo.
Comisariada por la directora emérita Lisa Phillips junto con la asistente de comisariado Thalia Stefaniuk, la exposición reúne obras de arte y objetos que abordan el Bowery no solo como una calle o un barrio, sino como un estado de ánimo, definido por los extremos.
La exposición recorre las múltiples vidas de esta calle: tierras de cultivo y traslados de ganado, hipódromos y jardines de recreo, y más tarde una bulliciosa zona de ocio repleta de teatros, salas de conciertos, salones de tatuajes y museos de baratijas. Esa reputación de lugar ruidoso, duro y rudo le valió con el tiempo el apodo de «Devil’s Mile» —mucho antes de que se la conociera como el barrio marginal más famoso del mundo, y mucho antes de que se convirtiera en la próspera comunidad de artistas que marcó el inicio de otra reinvención más.
El elenco de personajes que puebla la muestra abarca siglos y disciplinas, desde Peter Stuyvesant, P. T. Barnum y Jacob Riis hasta William Burroughs, Eva Hesse y Keith Haring: un elenco que refleja a la perfección cuántas versiones diferentes de Nueva York han convergido en esta única franja de Manhattan.
Es un tema muy adecuado para el New Museum, ya que la propia institución tiene su sede en el Bowery, ahora en su edificio recién ampliado y diseñado por OMA.
Las matemáticas y el arte de M. C. Escher en el MoMath
M. C. Escher apenas aprobó su examen final de matemáticas del instituto, pero acabó creando algunas de las obras de arte más sofisticadas desde el punto de vista matemático del siglo XX, y este otoño, el MoMath por fin cuenta esa faceta de su historia.
Esta es la primera gran exposición de Escher en Manhattan, y se distingue de las anteriores al profundizar específicamente en las estructuras matemáticas que sustentan su arquitectura imposible, sus teselaciones y sus paradojas visuales.
La exposición reúne más de 60 grabados en madera, litografías, xilografías, mezzotintas y dibujos, además de los propios bloques de madera y la piedra litográfica con los que trabajó Escher, junto con objetos tridimensionales que él mismo diseñó. Los materiales explicativos repartidos por las galerías desentrañan la simetría, el infinito, la geometría y la perspectiva que se esconden en cada obra, permitiéndote seguir el rastro de cómo una «teoría de aficionado» autodidacta sobre las formas que llenan un plano se convirtió en algunas de las ilusiones ópticas más reconocibles de la historia del arte.
La exposición se ha desarrollado en colaboración con un grupo de auténticos pesos pesados entre los estudiosos de Escher, entre los que se incluyen la experta de toda la vida Doris Schattschneider, el matemático de divulgación del MoMath Chaim Goodman-Strauss, el profesor de la Universidad Técnica de Múnich Jürgen Richter-Gebert y el amigo de la familia Escher, David Masunaga.
Este parque de atracciones sensorial ocupa la zona Court B, en la planta 3 del centro comercial American Dream, en Nueva Jersey, y convierte un conjunto completo de ocho salas temáticas en un universo surrealista y colorido construido casi en su totalidad con burbujas.
Los visitantes pasan de instalaciones de burbujas gigantes a un auténtico baño de burbujas (se deben llevar calcetines), utilizando tecnología de realidad virtual, simuladores e ilusiones ópticas para involucrar los cinco sentidos en paisajes fantásticos y oníricos.
Está pensado para todas las edades: los niños menores de 2 años entran gratis y los menores de 18 años deben ir acompañados de un adulto, lo que lo convierte tanto en una excursión familiar como en una oportunidad para hacerte fotos originales.