13 Museumsausstellungen in New York, die du diesen Herbst unbedingt sehen musst

Es ist mehr als 30 Jahre her, dass es in New York eine große Roy-Lichtenstein-Ausstellung gab, und das Whitney Museum ist dabei, die verlorene Zeit auf spektakuläre Weise aufzuholen.

Die Ausstellung „Roy Lichtenstein: Like New“, die am 11. Oktober eröffnet, vereint über 130 Werke aus sechs Jahrzehnten, von den frühen 1940er Jahren bis in die 1990er Jahre.

Diese Ausstellung beleuchtet, wie Lichtenstein Comics, Anzeigen und massenproduzierte Bilder in Kunst verwandelte, die maschinell hergestellt aussah, aber tatsächlich akribisch von Hand gemalt wurde.

Freu dich auf alle Ikonen, die du dir erhoffst, darunter „Drowning Girl“, „Look Mickey“ und „Masterpiece“, sowie auf einen wirklich gewagten kuratorischen Schachzug: Die Ausstellung vereint zum ersten Mal überhaupt alle acht Werke aus Lichtensteins bahnbrechendem Pop-Art-Debüt von 1962 in der Leo Castelli Gallery und stellt so die ursprüngliche, intime Galerieatmosphäre nach , damit Besucher die Werke genau so erleben können, wie es das Publikum damals im Jahr 1962 tat.

Außerdem gibt es eine fast 96 Fuß lange Nachbildung seines „Greene Street Mural“ und eine Außenpräsentation von „Girl in Window“, inszeniert vom Künstler und Co-Kurator Alex Da Corte.

Diese Kinder mit den großen Augen und den großen Köpfen, die dich von tausend Tragetaschen und Instagram-Posts aus anstarren, erleben ihren ersten großen New-York-Moment seit fast einem Jahrzehnt.

Der japanische Künstler Yoshitomo Nara übernimmt diesen Herbst gleich zwei Standorte von David Zwirner gleichzeitig: die Galerieräume in der 537 West 20th Street und der 533 West 19th Street in Chelsea. Es ist sowohl seine erste Einzelausstellung bei Zwirner als auch seine erste große Ausstellung in New York seit Mitte der 2010er Jahre.

Die Ausstellung kombiniert brandneue Gemälde aus dem Jahr 2026 mit wegweisenden Werken aus den 1980er Jahren und gewährt so einen seltenen Einblick darin, wie sich Naras Stil über vier Jahrzehnte hinweg still und leise gewandelt hat.

Seine neuesten Frontalporträts zeichnen sich durch eine gedämpftere, nuanciertere Farbpalette aus als die kräftigen Töne, die langjährige Fans vielleicht erwarten würden, mit diffusen Pinselstrichen, die den Leinwänden eine fast neblige, atmosphärische Tiefe verleihen.

Andere neue Werke entstehen zunächst als Buntstiftskizzen, bevor sie mit durchscheinendem Acryl übermalt werden, und die daraus entstehenden Figuren haben diesen unsicheren, tränengefüllten Blick, der viel verletzlicher wirkt als seine früheren, punkigeren Arbeiten.

Im Ausstellungsraum in der 19th Street stehen dreizehn von Naras riesigen Skulpturenköpfen im Mittelpunkt. Mit mattweißem Urethan überzogen, sind sie zehnfache Vergrößerungen kleiner Tonprototypen, die Nara ursprünglich von Hand geformt hat, und sie sollen bewusst an die „Schneemonster“ erinnern, an die er sich aus den Wintern seiner Kindheit im ländlichen Norden Japans erinnert. Vor einem dieser auf monumentale Größe vergrößerten Köpfe zu stehen und zu beobachten, wie das Licht auf dieses weiche, überdimensionale Gesicht fällt, ist ein wirklich seltsames und auf stille Weise bewegendes Erlebnis.

Diese immersive Ausstellung bringt die US-Premiere von „Mind of a Serial Killer“ in einen 24.500 Quadratfuß großen Veranstaltungsort an der 526 6th Avenue am Union Square und beleuchtet die Psychologie, Hintergründe und Motive hinter 20 der berüchtigtsten Serienmörder der Geschichte.

An mehr als 20 Stationen bewegen sich die Besucher durch sorgfältig nachgestellte Tatorte, darunter Ted Bundys „Beetle“ und Jeffrey Dahmers Küche, und verfolgen die Entwicklung der Serienkriminalität von den frühen 1900er Jahren bis zu den berüchtigtsten Fällen der Gegenwart.

In einem nachgebauten Ermittlungsbüro können Gäste den Faktoren auf den Grund gehen, die jemanden zu einem Mord treiben können, während eine (in VIP-Tickets enthaltene) VR-Komponente die Besucher direkt in eine simulierte Ermittlung versetzt, in der sie die Aufgabe haben, die Wahrheit selbst aufzudecken.

Die Ausstellung trägt einen ernstzunehmenden Warnhinweis – es werden drastische und verstörende Inhalte gezeigt, die Opfer aller Altersgruppen betreffen – und verlangt von den Besuchern, vor dem Betreten eine digitale Verzichtserklärung zu unterschreiben; für den kompletten Rundgang von 90 bis 120 Minuten wird ein Audioguide empfohlen.

Diese bahnbrechende Ausstellung im Met vereint die Werke von Lee Krasner und Jackson Pollock und zeichnet ihr miteinander verflochtenes Leben nach – von ihrer Begegnung 1941 in New York über ihre Heirat 1945 und den Umzug nach Springs auf Long Island bis hin zu Pollocks Tod im Jahr 1956.

Sie gilt als die erste große New Yorker Ausstellung, die einem der beiden Künstler seit mehr als zwei Jahrzehnten gewidmet ist, und als die erste Ausstellung überhaupt, die den gesamten Werdegang beider Künstler nebeneinander beleuchtet.

Die Ausstellung zeigt über 120 Werke und hat ihren Untertitel einem Gemälde von Krasner aus dem Jahr 1976 entlehnt; sie thematisiert parallele Künstlerleben, die zunächst von gemeinsamen Erfahrungen und später von Erinnerungen geprägt wurden.

Es kontrastiert ihre unterschiedlichen Wurzeln – Krasner wurde in Brooklyn als Tochter ukrainisch-jüdischer Einwanderer geboren, Pollock wuchs in Los Angeles und im amerikanischen Westen auf – und zeigt, wie diese unterschiedlichen Hintergründe im Umbruch des Abstrakten Expressionismus zusammenliefen.

Besucher können Pollocks revolutionäre „Drip“-Technik neben Krasners vielfältigen, von Natur und Farbe geprägten Erkundungen der Abstraktion erleben. Die Ausstellung rückt Krasners lange Zeit unterschätzte Beiträge bewusst auf eine Stufe mit denen ihres Mannes.

Bis zum 14. August 2026 läuft in dieser Installation am Wasser bei Chelsea Piers ein zeitlich begrenztes Crossover-Projekt, das die meisten Besucher wohl nur einmal erleben werden: „BTS THE CITY ARIRANG“, eine Zusammenarbeit, bei der die von der Natur inspirierte digitale Kunst des Arte Museums mit speziellen „ETERNAL ARIRANG“-Galerien wie „ARIRANG WAVE“ und „ARIRANG GARDEN“ kombiniert wird.

Die Ausstellung setzt stark auf ein Design, das alle Sinne anspricht – der Komponist Young-gyu Jang hat eine eigens für diesen Raum komponierte Musik geschaffen , und die Parfümeurin Marianne Nawrocki Sabatier hat maßgeschneiderte Düfte entwickelt, die in bestimmte Räume geleitet werden, während sich die Besucher durch weitläufige, projizierte Landschaften aus Licht, Klang und Bewegung bewegen.

Das Erlebnis findet im ARIRANG CAFE seinen Abschluss, wo der Teeservice gleichzeitig als interaktives Medien-Display auf dem Tisch dient.

Liu Wei ist bekannt dafür, architektonische Wahrzeichen aus Hundekauartikeln zu bauen, und diesen Herbst wendet er denselben Instinkt, das Alltägliche in etwas Monumentales zu verwandeln, auf die Beaux-Arts-Fassade des Met an.

Vier großformatige Skulpturen werden die Nischen an der Fassade der Fifth Avenue füllen und markieren damit die erste große Präsentation des in Peking lebenden Künstlers in den Vereinigten Staaten sowie die siebte Ausgabe der jährlichen „Genesis Facade Commission“-Reihe des Museums.

Die von Lesley Ma kuratierten Werke vermischen bekannte Motive – Fragmente der städtischen Umgebung, historische Bezüge und Körperformen – zu Kompositionen aus verschiedenen Materialien, die komplexe, manchmal widersprüchliche Gefühle hervorrufen sollen. Ein wiederkehrendes Handmotiv zieht sich durch alle vier Skulpturen und dient als Brücke zwischen dem Wiedererkennbaren und dem Fantastischen. Das Projekt als Ganzes setzt sich mit den Zyklen von Bruch, Widerstand, Heilung und Schöpfung im Laufe der Geschichte auseinander, anstatt sich auf eine einzige Erzählung festzulegen.

„Sein Werk durchbricht stets auf fesselnde Weise die Wahrnehmung der Realität mit einer Mischung aus Ungeschliffenheit und Raffinesse“, sagte Ma vor der Bekanntgabe über Liu und fügte hinzu, dass sie gespannt sei, wie er „unsere Erwartungen an die klassischen Nischen und an öffentliche Skulpturen herausfordert“.

Der Auftrag reiht sich ein in eine Serie mit Jeffrey Gibson (2025), Lee Bull (2024), Nairy Baghramian (2023), Hew Locke (2022), Carol Bove (2021) und Wangechi Mutu (2019), die zu einer der meistbeachteten zeitgenössischen Interventionen des Met geworden ist. Wer direkt vom Künstler hören möchte, kann am 22. September im Met Fifth Avenue bei „An Evening with Liu Wei“ dabei sein.

Dies ist die bislang größte Museumsausstellung zu Arthur Jafas Werk. Sie erstreckt sich über zwei ganze Etagen des kürzlich erweiterten, von OMA entworfenen Gebäudes des New Museum und umfasst fast vierzig Jahre seines Schaffens, das ihn zu einem der einflussreichsten Künstler seiner Generation gemacht hat.

Benannt nach dem legendären Jazz-Schlagzeuger Tony Williams, zeichnet die Ausstellung Jafas Entwicklung von seinen frühesten Filmen bis zu seinen neuesten Videoinstallationen nach und verfolgt dabei eine Bildsprache, deren Rhythmen und Synkopen bewusst die Bestrebungen der schwarzen Popmusik widerspiegeln.

Neben der Premiere neuer Werke vereint die Ausstellung seine berühmtesten Arbeiten, darunter „Love is the Message, The Message is Death“ (2016) und das mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnete „The White Album“ (2019), sowie aktuelle Gemälde, großformatige Filminstallationen und eine Reihe von skulpturalen und fotografischen Objekten.

Im Laufe seiner Karriere hat Jafa nach neuen visuellen Formen gesucht, die den tatsächlichen Rhythmus und die Realität des Lebens Schwarzer in Amerika einfangen können. Dabei stellt er die wachsende Auseinandersetzung der Nation mit institutioneller Gewalt gegen Schwarze Gemeinschaften in einen Spannungsverhältnis zum gleichzeitigen Aufstieg der schwarzen Kultur, Musik und Unterhaltung, die im Zentrum der amerikanischen Identität stehen. Das Ergebnis sind Werke, die unerschrocken in die Vergangenheit blicken und gleichzeitig unsere heutige Besessenheit von Bildern und endlosen „Inhalten“ widerspiegeln.

Echte NASA-Aufnahmen, eine mit dem Emmy ausgezeichnete Originalserie und ein frei begehbares VR-Format, mit dem du tatsächlich durch die Gänge der Internationalen Raumstation spazieren kannst –„Space Explorers“ hat sein New Yorker Debüt gefeiert und bereits mehr als 500.000 Besucher an Stationen auf der ganzen Welt angezogen.

Das etwa 40-minütige Erlebnis basiert auf Szenen aus „Space Explorers: THE INFINITE“, darunter 360-Grad-Aufnahmen des allerersten Weltraumspaziergangs, die in kinoreifer VR festgehalten wurden. So erhalten Besucher einen Blick auf die Erde aus 250 Meilen Höhe, den die meisten Menschen auf keine andere Weise jemals zu sehen bekommen werden.

Die Ausstellung, empfohlen ab 8 Jahren, bietet derzeit bis zum 15. August 2026 eine Sonderaktion zum Thema Sonnenfinsternis an, bei der ihr 10 % Rabatt auf Online-Tickets erhaltet.

Diese Ausstellung im Guggenheim ist die erste, bei der das Museum seine gesamte Rotunde einem neuen Werk eines einzelnen Künstlers aus dem Bereich Fotografie und Video widmet – und das pünktlich zum 250. Jahrestag der Vereinigten Staaten.

„ Father Country I Do Love You“ , an dem zehn Jahre lang gearbeitetwurde, gilt als Taryn Simons bislang umfangreichstes und persönlichstes Projekt. Es zeichnet das reale Leben eines namenlosen Bundesagenten anhand von 42 einzelnen Kunstwerken nach, die bisher unveröffentlichte Fotos, Texte, Videos und Skulpturen zu einer einzigen interaktiven Installation vereinen.

Das Werk funktioniert wie ein Labyrinth aus miteinander verflochtenen Geschichten und verfolgt die Welleneffekte der Handlungen und Unterlassungen des Agenten, der als Mittelsmann tätig war und Beweise für andere sammelte, um sie in ein größeres Gesamtbild einzufügen – mit Folgen, die Nationen und Leben betrafen, von denen er nie etwas erfahren würde.

Simon widmet das Werk ihrem eigenen Vater, der jahrelang für die US-Regierung durch Thailand, Russland, den Iran, Israel, China, Afghanistan und Korea reiste, bevor er sich der Herstellung von Arcade-Spielen zuwandte – eine Geschichte, die sie erst zu ergründen begann, nachdem seine Alzheimer-Diagnose deutlich machte, dass sie den Rest davon nie aus seinem eigenen Mund erfahren würde.

Bevor sie zu leuchtenden Buntglasfenstern oder ikonischen Lampen wurden, begannen die berühmtesten Werke von Tiffany Studios als Aquarellzeichnungen – und diesen Herbst rückt das Met diese Arbeitsskizzen endlich ins Rampenlicht.

Die Ausstellung vereint fast 120 selten gezeigte Zeichnungen aus der Sammlung des Met – dem weltweit größten Bestand an Tiffany-Entwurfszeichnungen – sowie eine ausgewählte Gruppe wichtiger Leihgaben.

Die Zeichnungen, die Auftragsarbeiten von Mitte der 1880er bis in die 1920er Jahre umfassen, zeichnen den ersten Schritt im künstlerischen Entstehungsprozess von Innenausstattungen und Dekorationen für prächtige Villen, Gotteshäuser und öffentliche Gebäude in ganz Amerika und im Ausland nach, darunter Projekte in Kanada, Mexiko, Kuba und der Schweiz. Viele dokumentieren Werke, die inzwischen verloren gegangen, beschädigt oder zerstört wurden, während andere Ideen bewahren, die Tiffanys Atelier nie umsetzen konnte – und geben den Besuchern so einen authentischen Einblick in Konzepte, die sonst verloren gegangen wären.

Das Herzstück der Ausstellung ist ein Wiedersehen, das Jahrzehnte auf sich warten ließ: Das monumentale Buntglasfenster „Woman in a Pergola with Wisteria“ (1911) aus dem Chrysler Museum of Art wird neben seinen ursprünglichen Glyzinien-Oberlichtern ausgestellt, die kürzlich in einem Privathaus in Arizona wiederentdeckt wurden.

Kuratorin Alice Cooney Frelinghuysen nennt es „einen besonders eindrucksvollen Moment, der es den Besuchern ermöglicht, die Verwandlung einer Idee in ein strahlendes Kunstwerk mitzuerleben“, und es ist das erste Mal seit mindestens einem halben Jahrhundert, dass das Ensemble gemeinsam gezeigt wird.

Thematisch gegliedert nach privaten, kirchlichen und öffentlichen/kommerziellen Aufträgen, stellt die Ausstellung ausgewählte Zeichnungen direkt neben die daraus entstandenen fertigen Buntglasfenster, Mosaike, Emaillearbeiten und Lampen, sodass Besucher den gesamten Entstehungsprozess eines Entwurfs von der Graphitskizze bis zum fertigen Glas nachverfolgen können.

Passenderweise direkt in der Straße inszeniert, von der sie erzählt, ist dies die erste Ausstellung überhaupt, die die gesamte 500-jährige Geschichte der Bowery, New Yorks ältester Durchgangsstraße, nachzeichnet – vom Lenape-Pfad über das Elendsviertel bis hin zum pulsierenden Herzen der zeitgenössischen Kunstwelt.

Die von der emeritierten Direktorin Lisa Phillips zusammen mit der kuratorischen Assistentin Thalia Stefaniuk kuratierte Ausstellung versammelt Kunstwerke und Artefakte, die die Bowery nicht nur als Straße oder Stadtteil betrachten, sondern als eine Geisteshaltung– eine, die von Extremen geprägt ist.

Die Ausstellung führt durch die vielen Lebensphasen der Straße: Ackerland und Viehtriebe, Rennbahnen und Vergnügungsgärten und später eine rauschende Vergnügungsmeile voller Theater, Konzerthallen, Tattoo-Studios und Billigmuseen. Dieser Ruf als rauer, von Härte und Kraft geprägter Ort brachte ihr schließlich den Spitznamen „Devil’s Mile“ ein – lange bevor sie als das berüchtigtste Elendsviertel der Welt bekannt wurde und lange bevor sie sich in eine blühende Künstlergemeinde verwandelte, die eine weitere Neugestaltung einläutete.

Die Personen, die die Szene prägen, erstrecken sich über Jahrhunderte und Disziplinen hinweg, von Peter Stuyvesant, P.T. Barnum und Jacob Riis bis hin zu William Burroughs, Eva Hesse und Keith Haring – eine Aufstellung, die verdeutlicht, wie viele verschiedene New Yorks auf diesem einen Streifen von Manhattan aufeinandergetroffen sind.

Es ist ein passendes Thema für das New Museum, da die Institution selbst in der Bowery beheimatet ist – mittlerweile in ihrem neu erweiterten, von OMA entworfenen Gebäude.

M.C. Escher hat seine Abschlussprüfung in Mathe an der Highschoolgerade so bestanden, doch er schuf später einige der mathematisch anspruchsvollsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts – und diesen Herbst erzählt das MoMath endlich diese Seite seiner Geschichte.

Dies ist die erste große Escher-Ausstellung in Manhattan, die sich von früheren Übersichtsausstellungen dadurch abhebt, dass sie sich gezielt mit den mathematischen Strukturen befasst, die seiner unmöglichen Architektur, seinen Mosaikmustern und visuellen Paradoxen zugrunde liegen.

Die Ausstellung vereint mehr als 60 Holzstiche, Lithografien, Holzschnitte, Mezzotinten und Zeichnungen sowie die eigentlichen Holzblöcke und einen Lithografiestein, mit denen Escher arbeitete, zusammen mit dreidimensionalen Objekten, die er selbst entworfen hat. Informationsmaterialien in den Ausstellungsräumen entschlüsseln die Symmetrie, Unendlichkeit, Geometrie und Perspektive, die in jedem Werk eingebettet sind, und lassen die Besucher nachvollziehen, wie sich eine autodidaktische „Laientheorie“ über Formen, die eine Fläche ausfüllen, zu einigen der bekanntesten optischen Täuschungen der Kunstgeschichte entwickelte.

Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit einer Gruppe von echten Schwergewichten unter den Escher-Forschern entwickelt, darunter die langjährige Expertin Doris Schattschneider, der MoMath-Mathematiker Chaim Goodman-Strauss, Jürgen Richter-Gebert, Professor an der Technischen Universität München, und David Masunaga, ein Freund der Familie Escher.

Dieser Sinnes-Spielplatz erobert Court B, Ebene 3, der American Dream Mall in New Jersey und verwandelt eine ganze Reihe von acht Themenräumen in ein surreales, farbenfrohes Universum, das fast ausschließlich aus Seifenblasen besteht.

Die Besucher bewegen sich von überdimensionalen Blaseninstallationen zu einem regelrechten Schaumbad (Socken Pflicht) und nutzen VR-Technologie, Simulatoren und optische Täuschungen, um alle fünf Sinne in fantastischen, traumhaften Landschaften anzusprechen.

Das Angebot richtet sich an alle Altersgruppen: Kinder unter 2 Jahren haben freien Eintritt, und Kinder unter 18 Jahren müssen von einem Erwachsenen begleitet werden – so eignet es sich ebenso gut für einen Familienausflug wie für ein originelles Foto-Shooting.