13 exposições imperdíveis nos museus de Nova York neste outono

Já faz mais de 30 anos que Nova York não recebe uma grande exposição de Roy Lichtenstein, e o Museu Whitney está prestes a compensar o tempo perdido em grande estilo.

Com estreia marcada para 11 de outubro, a exposição “Roy Lichtenstein: Like New” reúne mais de 130 obras que abrangem seis décadas, desde o início dos anos 1940 até os anos 1990.

Essa exposição explora como Lichtenstein transformou quadrinhos, anúncios e imagens produzidas em massa em obras de arte que pareciam feitas à máquina, mas que, na verdade, foram meticulosamente pintadas à mão.

Espere ver todos os ícones que você esperaria, incluindo “Drowning Girl”, “Look Mickey” e “Masterpiece”, além de uma iniciativa curatorial genuinamente ousada: a exposição reúne, pela primeira vez na história, todas as oito obras da estreia marcante de Lichtenstein no Pop Art, em 1962, na Galeria Leo Castelli, recriando aquele ambiente íntimo original da galeria para que os visitantes possam vivenciar as obras exatamente como o público fez lá em 1962.

Há também uma recriação de quase 96 pés de comprimento do seu “Greene Street Mural” e uma apresentação ao ar livre de “Girl in Window”, encenada pelo artista e cocurador Alex Da Corte.

Aquelas crianças de olhos arregalados e cabeças grandes que te encaram de mil sacolas e posts no Instagram estão tendo seu primeiro grande momento em Nova York em quase uma década.

O artista japonês Yoshitomo Nara vai ocupar dois espaços da David Zwirner ao mesmo tempo neste outono, abrangendo os espaços da galeria na 537 West 20th Street e na 533 West 19th Street, em Chelsea. Essa é tanto sua primeira exposição individual com a Zwirner quanto sua primeira grande exposição em Nova York desde meados da década de 2010.

A exposição combina pinturas inéditas de 2026 com obras fundamentais da década de 1980, oferecendo uma visão rara de como o estilo de Nara mudou discretamente ao longo de quatro décadas.

Seus retratos de frente mais recentes apostam em uma paleta de cores mais suaves e matizadas do que os tons marcantes que os fãs de longa data poderiam esperar, com pinceladas difusas que dão às telas uma profundidade atmosférica quase enevoada.

Outras obras novas começam como esboços a lápis de cor antes de serem pintadas com acrílico translúcido, e as figuras resultantes têm esse olhar incerto e cheio de lágrimas que parece muito mais vulnerável do que seus trabalhos anteriores, mais punk.

No espaço da 19th Street, treze das enormes cabeças esculturais de Nara ocupam o centro do palco. Revestidas de uretano branco fosco, são ampliações dez vezes maiores de pequenos protótipos de argila que Nara esculpiu originalmente à mão, e foram criadas de propósito para evocar os “monstros” de neve que ele lembra dos invernos da infância na zona rural do norte do Japão. Ficar em frente a uma dessas esculturas ampliadas para uma escala monumental, observando como a luz incide sobre aquele rosto macio e gigantesco, é uma experiência genuinamente estranha e discretamente comovente.

Essa exposição imersiva traz a estreia nos EUA de *Mind of a Serial Killer* para um espaço de 24.500 pés quadrados na 526 6th Avenue, na Union Square, revelando a psicologia, as origens e os motivos por trás de 20 dos assassinos em série mais notórios da história.

Ao longo de mais de 20 estações, os visitantes percorrem cenas de crime meticulosamente recriadas, incluindo o Fusca de Ted Bundy e a cozinha de Jeffrey Dahmer, acompanhando a evolução dos crimes em série desde o início do século XX até os casos mais infames da atualidade.

Um escritório de investigação recriado permite que os visitantes explorem os fatores que podem levar alguém a cometer um assassinato, enquanto um componente de RV (incluído nos ingressos VIP) coloca os visitantes diretamente dentro de uma investigação simulada, com a missão de descobrir a verdade por conta própria.

A exposição traz um aviso sério — há conteúdo explícito e perturbador envolvendo vítimas de todas as idades — e exige que os visitantes assinem um termo de responsabilidade digital antes de entrar, com um guia de áudio recomendado para o percurso completo de 90 a 120 minutos.

Essa exposição histórica no Met reúne as obras de Lee Krasner e Jackson Pollock, traçando suas vidas entrelaçadas desde o encontro em Nova York em 1941, passando pelo casamento em 1945 e a mudança para Springs, em Long Island, até a morte de Pollock em 1956.

A exposição é anunciada como a primeira grande apresentação em Nova York dedicada a qualquer um dos dois artistas em mais de duas décadas, e a primeira a examinar lado a lado toda a trajetória das carreiras de ambos.

A exposição apresenta mais de 120 obras e tem seu subtítulo inspirado em uma pintura de Krasner de 1976, estruturando a mostra em torno de vidas artísticas paralelas moldadas, primeiro, por experiências compartilhadas e, depois, pela memória.

Isso contrasta suas origens distintas — Krasner nasceu no Brooklyn, filha de imigrantes judeus ucranianos, enquanto Pollock foi criado em Los Angeles e no Oeste americano —, mostrando como essas diferentes origens convergiram na ruptura do expressionismo abstrato.

Os visitantes vão ver a revolucionária técnica de “gotejamento” de Pollock ao lado das explorações variadas de Krasner na abstração, inspiradas na natureza e nas cores, com a exposição deliberadamente reavaliando as contribuições de Krasner — há muito subestimadas — colocando-as em pé de igualdade com as do marido.

Até 14 de agosto de 2026, essa instalação à beira-mar no Chelsea Piers está apresentando uma parceria limitada que a maioria dos visitantes não vai conseguir ver duas vezes: BTS THE CITY ARIRANG, uma colaboração que combina a arte digital inspirada na natureza do Arte Museum com galerias dedicadas do ETERNAL ARIRANG, como ARIRANG WAVE e ARIRANG GARDEN.

A exposição aposta forte em um design sensorial completo — o compositor Young-gyu Jang criou uma trilha sonora original para o espaço, e a perfumista Marianne Nawrocki Sabatier desenvolveu aromas personalizados que são liberados em salas específicas à medida que os visitantes percorrem paisagens projetadas de luz, som e movimento.

A experiência termina no ARIRANG CAFE, onde o serviço de chá funciona também como uma tela interativa na mesa.

Liu Wei ficou famoso por construir marcos arquitetônicos com ossos de mastigar para cães, e neste outono ele traz esse mesmo instinto de transformar o mundano em monumental para a própria fachada em estilo Beaux-Arts do Met.

Quatro esculturas em grande escala vão ocupar os nichos da fachada da Quinta Avenida, marcando a primeira grande apresentação do artista de Pequim nos Estados Unidos e a sétima edição da série anual “Genesis Facade Commission” do museu.

Com curadoria de Lesley Ma, as obras remixam motivos familiares — fragmentos do ambiente urbano, referências históricas e formas corporais — em peças compostas, construídas a partir de uma mistura de materiais que visam provocar sentimentos complexos e, às vezes, contraditórios. Um motivo recorrente de mãos permeia todas as quatro esculturas, servindo como uma ponte entre o reconhecível e o fantástico, e o projeto como um todo lida com ciclos de ruptura, resistência, reparação e criação ao longo da história, em vez de se limitar a uma única narrativa.

“O trabalho dele sempre penetra de forma cativante nas percepções da realidade com uma mistura de crueza e refinamento”, disse Ma sobre Liu antes do anúncio, acrescentando que está curiosa para ver como ele “desafia nossas expectativas em relação aos nichos clássicos e às esculturas públicas”.

A encomenda segue Jeffrey Gibson (2025), Lee Bull (2024), Nairy Baghramian (2023), Hew Locke (2022), Carol Bove (2021) e Wangechi Mutu (2019) em uma série que se tornou uma das intervenções contemporâneas mais acompanhadas do Met. Quem quiser ouvir o artista diretamente pode conferir “Uma Noite com Liu Wei” no dia 22 de setembro no Met da Quinta Avenida.

Essa é a maior exposição em museu já realizada até hoje sobre a obra de Arthur Jafa, ocupando dois andares inteiros do prédio recém-ampliado do New Museum — projetado pelo OMA — e abrangendo quase quarenta anos de uma trajetória que fez dele um dos artistas mais influentes da sua geração.

Batizada em homenagem ao lendário baterista de jazz Tony Williams, a exposição traça a evolução de Jafa desde seus primeiros filmes até suas instalações de vídeo mais recentes, acompanhando uma linguagem visual cujos ritmos e síncopes ecoam deliberadamente as aspirações da música popular negra.

Além da estreia de novos trabalhos, a exposição reúne suas obras mais aclamadas, incluindo *Love is the Message, The Message is Death* (2016) e *The White Album* (2019), vencedor do Leão de Ouro, além de pinturas recentes, instalações cinematográficas em grande escala e uma variedade de objetos esculturais e fotográficos.

Ao longo de sua carreira, Jafa buscou novas formas visuais capazes de capturar o ritmo e a realidade da vida negra nos Estados Unidos, colocando em tensão o crescente reconhecimento do país em relação à violência institucional contra as comunidades negras com a ascensão simultânea da cultura, da música e do entretenimento negros no centro da identidade americana. O resultado é um trabalho que encara o passado sem vacilar, ao mesmo tempo em que reflete nossa obsessão atual por imagens e “conteúdo” sem fim.

Imagens reais da NASA, uma série vencedora do Emmy e um formato de RV de livre exploração que te permite realmente caminhar pelos corredores da Estação Espacial Internacional —“Space Explorers” estreou em Nova York e já atraiu mais de 500 mil visitantes em suas paradas ao redor do mundo.

A experiência de cerca de 40 minutos é composta por cenas de “Space Explorers: THE INFINITE”, incluindo imagens em 360 graus da primeira caminhada espacial da história, capturadas em RV cinematográfica, oferecendo aos visitantes vistas da Terra a 250 milhas de altura que a maioria das pessoas nunca verá de outra forma.

Recomendado para maiores de 8 anos, o espetáculo está com uma promoção com tema de eclipse até 15 de agosto de 2026, oferecendo 10% de desconto nos ingressos comprados online.

Essa exposição no Guggenheim marca a primeira vez que o museu dedica toda a sua rotunda a um novo conjunto de obras de um único artista que trabalha com fotografia e vídeo, e ela acontece bem no 250º aniversário dos Estados Unidos.

Com dez anos de produção, “Father Country I Do Love You” é considerado o projeto mais abrangente e pessoal de Taryn Simon até hoje, traçando a vida real de um agente federal anônimo por meio de 42 obras de arte individuais que combinam fotografias inéditas, textos, vídeos e esculturas em uma única instalação interativa.

A obra funciona como um labirinto de sagas interligadas, acompanhando os efeitos em cadeia das ações e omissões do agente enquanto ele trabalhava como intermediário, reunindo evidências para que outros pudessem encaixá-las em um quadro maior, com consequências que atingiram nações e vidas que ele nunca conheceria.

Simon dedica a obra ao próprio pai, que passou anos viajando pela Tailândia, Rússia, Irã, Israel, China, Afeganistão e Coreia a serviço do governo dos EUA antes de mudar de rumo e passar a fabricar jogos de fliperama — uma história que ela só começou a desvendar depois que o diagnóstico de Alzheimer dele deixou claro que ela nunca ouviria o resto da história contada por ele mesmo.

Antes de se tornarem vitrais luminosos ou luminárias icônicas, as obras mais famosas da Tiffany Studios começaram como desenhos em aquarela — e neste outono, o Met finalmente está dando a esses esboços de trabalho o destaque que merecem.

A exposição reúne quase 120 desenhos raramente exibidos do acervo do Met, o maior acervo de desenhos de design de Tiffany do mundo, além de um seleto grupo de peças emprestadas de grande importância.

Abrangendo encomendas de meados da década de 1880 até a década de 1920, os desenhos traçam o primeiro passo no processo artístico por trás de interiores e decorações criados para grandes mansões, locais de culto e prédios públicos nos Estados Unidos e no exterior, incluindo projetos no Canadá, México, Cuba e Suíça. Muitos documentam obras que, desde então, se perderam, foram danificadas ou destruídas, enquanto outros preservam ideias que o estúdio de Tiffany nunca chegou a concretizar — dando aos visitantes um vislumbre genuíno de conceitos que, de outra forma, teriam desaparecido.

A peça-chave da exposição é uma reunião que levou décadas para acontecer: o monumental vitral do Museu de Arte Chrysler, “Mulher em uma pérgula com glicínias” (1911), será exibido ao lado de suas travessas originais com glicínias, recentemente redescobertas em uma casa particular no Arizona.

A curadora Alice Cooney Frelinghuysen chama isso de “um momento particularmente poderoso, que permite aos visitantes ver a transformação de uma ideia em uma obra de arte luminosa”, e é a primeira vez que o conjunto é exibido completo em pelo menos meio século.

Organizada tematicamente em torno de encomendas domésticas, eclesiásticas e públicas/comerciais, a exposição combina desenhos selecionados diretamente com os vitrais, mosaicos, esmaltes e luminárias que eles geraram, para que os visitantes possam acompanhar toda a trajetória de um projeto, desde o esboço a grafite até o vitral finalizado.

Apresentada de forma bem apropriada na própria rua que ela retrata, essa é a primeira exposição de todos os tempos a traçar os 500 anos completos de história do Bowery, a via mais antiga de Nova York, desde a trilha dos Lenape até a área de moradores de rua e, por fim, o coração pulsante do mundo da arte contemporânea.

Com curadoria da diretora emérita Lisa Phillips e da assistente de curadoria Thalia Stefaniuk, a exposição reúne obras de arte e artefatos que tratam o Bowery não apenas como uma rua ou um bairro, mas como um estado de espírito— definido por extremos.

A exposição percorre as várias fases da rua: terras agrícolas e tropeadas de gado, pistas de corrida e jardins de lazer, e mais tarde uma agitada área de entretenimento repleta de teatros, salas de concerto, estúdios de tatuagem e museus populares. Essa reputação de agitação, coragem e força acabou rendendo à rua o apelido de “Devil’s Mile” — muito antes de ela se tornar conhecida como a área de marginalidade mais famosa do mundo e muito antes de se transformar na próspera comunidade de artistas que deu início a mais uma reinvenção.

O elenco de personagens que compõe a programação abrange séculos e disciplinas, de Peter Stuyvesant, P.T. Barnum e Jacob Riis a William Burroughs, Eva Hesse e Keith Haring — um time que mostra quantas versões diferentes de Nova York se encontraram nessa única faixa de Manhattan.

É um tema bem adequado para o New Museum abordar, já que a própria instituição tem sua sede no Bowery, agora dentro do prédio recém-ampliado projetado pelo OMA.

M.C. Escher mal passou na prova final de matemática do ensino médio, mas acabou criando algumas das obras de arte matematicamente mais sofisticadas do século XX — e neste outono, o MoMath finalmente vai contar esse lado da história dele.

Essa é a primeira grande exposição de Escher em Manhattan, que se destaca das anteriores por se aprofundar especificamente nas estruturas matemáticas que sustentam sua arquitetura impossível, suas teselagens e seus paradoxos visuais.

A exposição reúne mais de 60 gravuras em madeira, litografias, xilogravuras, mezzotintas e desenhos, além dos próprios blocos de madeira e da pedra litográfica com que Escher trabalhava, juntamente com objetos tridimensionais que ele mesmo projetou. Materiais explicativos espalhados pelas galerias decifram a simetria, o infinito, a geometria e a perspectiva presentes em cada obra, permitindo que você acompanhe como uma “teoria leiga” autodidata sobre formas que preenchem um plano se transformou em algumas das ilusões de ótica mais reconhecíveis da história da arte.

A exposição foi desenvolvida em colaboração com um grupo de verdadeiros especialistas em Escher, incluindo a experiente Doris Schattschneider, o matemático de divulgação do MoMath Chaim Goodman-Strauss, o professor da Universidade Técnica de Munique Jürgen Richter-Gebert e o amigo da família Escher, David Masunaga.

Esse playground sensorial toma conta do Court B, no 3º andar do shopping American Dream, em Nova Jersey, transformando um conjunto inteiro de oito salas temáticas em um universo surreal e colorido, construído quase inteiramente de bolhas.

Os visitantes passam de instalações de bolhas gigantes a um banho de espuma de verdade (meias obrigatórias), usando tecnologia de RV, simuladores e ilusões de ótica para envolver todos os cinco sentidos em paisagens fantásticas e oníricas.

O evento foi pensado para todas as idades: crianças de até 2 anos não pagam, e menores de 18 anos precisam estar acompanhados por um adulto, o que torna a experiência tanto um passeio em família quanto uma oportunidade para tirar fotos diferentes.