13 expositions incontournables dans les musées new-yorkais cet automne

Ça fait plus de 30 ans que New York n’a pas accueilli une grande exposition consacrée à Roy Lichtenstein, et le Whitney Museum s’apprête à rattraper le temps perdu en grande pompe.

À partir du 11 octobre, l’exposition « Roy Lichtenstein : Like New » rassemble plus de 130 œuvres couvrant six décennies, du début des années 1940 jusqu’aux années 1990.

Celle-ci explore comment Lichtenstein a transformé les bandes dessinées, les publicités et les images de masse en œuvres d’art qui semblaient réalisées à la machine, mais qui étaient en réalité méticuleusement peintes à la main.

Attends-toi à voir toutes les œuvres emblématiques que tu espères, notamment *Drowning Girl*, *Look Mickey* et *Masterpiece*, ainsi qu’un choix curatorial véritablement audacieux : l’exposition rassemble pour la toute première fois les huit œuvres de la première exposition pop art historique de Lichtenstein, organisée en 1962 à la galerie Leo Castelli, en recréant l’ambiance intime de cette galerie d’origine afin que les visiteurs puissent découvrir les œuvres exactement comme le public de 1962.

On y trouve également une reproduction de près de 96 pieds de long de sa fresque de Greene Street, ainsi qu’une présentation en plein air de *Girl in Window*, mise en scène par l’artiste et co-commissaire Alex Da Corte.

Ces gamins aux grands yeux et à la grosse tête qui te fixent depuis des milliers de sacs fourre-tout et de posts Instagram vivent leur premier grand moment new-yorkais depuis près d’une décennie.

L’artiste japonais Yoshitomo Nara investit cet automne deux espaces de la galerie David Zwirner à la fois, à savoir les adresses 537 West 20th Street et 533 West 19th Street à Chelsea. Il s’agit à la fois de sa première exposition solo chez Zwirner et de sa première grande exposition new-yorkaise depuis le milieu des années 2010.

L’exposition associe des peintures toutes neuves de 2026 à des œuvres phares des années 1980, offrant un aperçu rare de la façon dont le style de Nara a discrètement évolué au fil de quatre décennies.

Ses derniers portraits de face s’appuient sur une palette de couleurs plus sobres et nuancées que les teintes vives auxquelles ses fans de longue date pourraient s’attendre, avec des coups de pinceau diffus qui confèrent aux toiles une profondeur atmosphérique, presque brumeuse.

D’autres nouvelles œuvres commencent par des croquis au crayon de couleur avant d’être recouvertes d’acrylique translucide, et les personnages qui en résultent ont ce regard incertain, rempli de larmes, qui semble bien plus vulnérable que ses œuvres précédentes, plus punk.

À l’espace de la 19e rue, treize des immenses têtes sculpturales de Nara occupent le devant de la scène. Recouvertes d’uréthane blanc mat, ce sont des agrandissements au format 10 fois supérieur de petits prototypes en argile que Nara avait initialement sculptés à la main, et elles sont intentionnellement conçues pour évoquer les « monstres » de neige dont il se souvient des hivers de son enfance dans le nord rural du Japon. Se tenir devant l’une d’elles, agrandie à une échelle monumentale, et observer la façon dont la lumière se pose sur ce visage doux et surdimensionné, est une expérience vraiment étrange et discrètement émouvante.

Cette exposition immersive présente la première américaine de « Mind of a Serial Killer » dans un espace de 24 500 pieds carrés situé au 526 6th Avenue à Union Square, dévoilant la psychologie, le parcours et les motivations de 20 des tueurs en série les plus tristement célèbres de l’histoire.

À travers plus de 20 étapes, les visiteurs parcourent des scènes de crime méticuleusement reconstituées, notamment la Coccinelle de Ted Bundy et la cuisine de Jeffrey Dahmer, retraçant l’évolution des crimes en série depuis le début des années 1900 jusqu’aux affaires les plus tristement célèbres d’aujourd’hui.

Un bureau d’enquête reconstitué permet aux visiteurs d’explorer les facteurs qui peuvent pousser quelqu’un à commettre un meurtre, tandis qu’un module de réalité virtuelle (inclus dans les billets VIP) te plonge directement au cœur d’une enquête simulée, où tu devras découvrir la vérité par toi-même.

L’exposition comporte un véritable avertissement — elle présente des contenus explicites et perturbants mettant en scène des victimes de tous âges — et exige que les visiteurs signent une décharge numérique avant d’entrer ; un audioguide est recommandé pour profiter pleinement de la visite, qui dure entre 90 et 120 minutes.

Cette exposition historique du Met réunit les œuvres de Lee Krasner et Jackson Pollock, retraçant leurs vies étroitement liées depuis leur rencontre à New York en 1941, en passant par leur mariage en 1945 et leur installation à Springs, sur Long Island, jusqu’à la mort de Pollock en 1956.

C’est présentée comme la première grande exposition new-yorkaise consacrée à l’un ou l’autre de ces artistes depuis plus de deux décennies, et la toute première à retracer côte à côte l’ensemble de leurs carrières respectives.

L’exposition présente plus de 120 œuvres et tire son sous-titre d’un tableau de Krasner datant de 1976, articulant l’exposition autour de vies artistiques parallèles façonnées d’abord par des expériences communes, puis par la mémoire.

Ça met en contraste leurs origines bien distinctes — Krasner est née à Brooklyn de parents immigrés juifs ukrainiens, tandis que Pollock a grandi à Los Angeles et dans l’Ouest américain —, montrant comment ces parcours différents ont convergé dans la rupture que représente l’expressionnisme abstrait.

Les visiteurs pourront découvrir la technique révolutionnaire du « drip » de Pollock aux côtés des explorations variées de l’abstraction menées par Krasner, inspirées par la nature et la couleur. L’exposition remet délibérément en lumière les contributions longtemps méconnues de Krasner, en les plaçant sur un pied d’égalité avec celles de son mari.

Jusqu’au 14 août 2026, cette installation au bord de l’eau à Chelsea Piers propose une collaboration exclusive que la plupart des visiteurs n’auront pas l’occasion de voir deux fois : BTS THE CITY ARIRANG, une collaboration qui associe l’art numérique inspiré de la nature de l’Arte Museum à des galeries dédiées à ETERNAL ARIRANG, comme ARIRANG WAVE et ARIRANG GARDEN.

L’exposition mise pleinement sur une conception sensorielle totale : le compositeur Young-gyu Jang a créé une bande originale spécialement pour cet espace, et la parfumeuse Marianne Nawrocki Sabatier a conçu des parfums sur mesure diffusés dans des salles spécifiques tandis que les visiteurs se déplacent à travers de vastes paysages projetés mêlant lumière, son et mouvement.

L’expérience se termine à l’ARIRANG CAFE, où le service de thé fait également office d’écran multimédia interactif intégré à la table.

Liu Wei est connu pour avoir construit des monuments architecturaux à partir de jouets à mâcher pour chiens, et cet automne, il applique ce même instinct qui consiste à transformer le banal en monumental à la façade Beaux-Arts du Met.

Quatre sculptures monumentales occuperont les niches de la façade donnant sur la Cinquième Avenue, marquant ainsi la première grande exposition aux États-Unis de cet artiste basé à Pékin et la septième édition de la série annuelle « Genesis Facade Commission » du musée.

Organisées par Lesley Ma, ces œuvres remixent des motifs familiers — des fragments de l’environnement urbain, des références historiques et des formes corporelles — pour créer des pièces composites construites à partir d’un mélange de matériaux destinés à susciter des sentiments complexes, parfois contradictoires. Un motif récurrent de la main traverse les quatre sculptures, servant de pont entre le reconnaissable et le fantastique, et le projet dans son ensemble aborde les cycles de rupture, de résistance, de réparation et de création à travers l’histoire plutôt que de se cantonner à un seul récit.

« Son travail transperce toujours de manière captivante les perceptions de la réalité, grâce à un mélange de brutalité et de raffinement », a déclaré Ma à propos de Liu avant l’annonce, ajoutant qu’elle était curieuse de voir comment il « remet en question nos attentes vis-à-vis des niches classiques et des sculptures publiques ».

Cette commande fait suite à celles de Jeffrey Gibson (2025), Lee Bull (2024), Nairy Baghramian (2023), Hew Locke (2022), Carol Bove (2021) et Wangechi Mutu (2019) dans une série devenue l’une des interventions contemporaines les plus suivies du Met. Si tu veux entendre l’artiste s’exprimer directement, tu peux assister à « Une soirée avec Liu Wei » le 22 septembre au Met Fifth Avenue.

Il s’agit de la plus grande rétrospective muséale jamais consacrée à l’œuvre d’Arthur Jafa: elle occupe deux étages entiers du bâtiment récemment agrandi du New Museum, conçu par OMA, et retrace près de quarante ans d’une carrière qui a fait de lui l’un des artistes les plus influents de sa génération.

Nommée en l’honneur du légendaire batteur de jazz Tony Williams, l’exposition retrace l’évolution de Jafa, de ses tout premiers films à ses installations vidéo les plus récentes, en suivant un langage visuel dont les rythmes et les syncopes font délibérément écho aux aspirations de la musique populaire noire.

En plus de présenter ses nouvelles œuvres, l’exposition rassemble ses pièces les plus célèbres, notamment *Love is the Message, The Message is Death* (2016) et *The White Album* (2019), lauréat du Lion d’or, ainsi que des peintures récentes, des installations vidéo à grande échelle et toute une série d’objets sculpturaux et photographiques.

Tout au long de sa carrière, Jafa a recherché de nouvelles formes visuelles capables de saisir le rythme et la réalité de la vie des Noirs aux États-Unis, en mettant en tension la prise de conscience croissante du pays face à la violence institutionnelle contre les communautés noires et l’ascension simultanée de la culture, de la musique et du divertissement noirs au cœur de l’identité américaine. Il en résulte une œuvre qui regarde sans détour le passé tout en reflétant notre obsession actuelle pour les images et le « contenu » à l’infini.

Des images réelles de la NASA, une série primée aux Emmy Awards et un format de réalité virtuelle en libre circulation qui te permet de te promener réellement dans les couloirs de la Station spatiale internationale :« Space Explorers » a fait ses débuts à New York et a déjà attiré plus de 500 000 visiteurs lors de ses différentes étapes à travers le monde.

Cette expérience d’environ 40 minutes est constituée de scènes tirées de « Space Explorers : THE INFINITE », notamment des images à 360 degrés de la toute première sortie extravéhiculaire filmées en réalité virtuelle cinématographique, offrant aux visiteurs une vue de la Terre à 250 miles d’altitude que la plupart des gens ne verront jamais autrement.

Recommandé à partir de 8 ans, le spectacle propose actuellement une promotion sur le thème de l’éclipse jusqu’au 15 août 2026, avec 10 % de réduction sur les billets en ligne.

Cette exposition au Guggenheim marque la première fois que le musée consacre l’intégralité de sa rotonde à une nouvelle série d’œuvres d’un seul artiste travaillant dans la photographie et la vidéo, et elle a lieu à l’occasion du 250e anniversaire des États-Unis.

Fruit de dix ans de travail, « Father Country I Do Love You »est présenté comme le projet le plus ambitieux et le plus personnel de Taryn Simon à ce jour. Il retrace la vie réelle d’un agent fédéral anonyme à travers 42 œuvres d’art distinctes, combinant des photographies inédites, des textes, des vidéos et des sculptures au sein d’une seule et même installation interactive.

L’œuvre se présente comme un labyrinthe de sagas interconnectées, retraçant les répercussions des actions et des inactions de l’agent alors qu’il travaillait comme intermédiaire, rassemblant des preuves que d’autres devaient intégrer dans un tableau plus large, avec des conséquences qui ont touché des nations et des vies qu’il n’aurait jamais connues.

Simon dédie cette œuvre à son propre père, qui a passé des années à voyager en Thaïlande, en Russie, en Iran, en Israël, en Chine, en Afghanistan et en Corée pour le compte du gouvernement américain avant de se reconvertir dans la fabrication de jeux d’arcade — une histoire qu’elle n’a commencé à mettre au jour qu’après que le diagnostic d’Alzheimer de son père lui a fait comprendre qu’elle n’en entendrait jamais la suite de sa propre bouche.

Avant de devenir des vitraux lumineux ou des lampes emblématiques, les œuvres les plus célèbres des Tiffany Studios ont d’abord été des croquis à l’aquarelle — et cet automne, le Met met enfin ces esquisses de travail à l’honneur.

L’exposition rassemble près de 120 dessins rarement exposés issus de la collection du Met, la plus grande collection au monde de dessins de création de Tiffany, ainsi qu’une sélection de prêts exceptionnels.

Couvrant des commandes allant du milieu des années 1880 aux années 1920, ces dessins retracent la première étape du processus artistique à l’origine des intérieurs et des décorations réalisés pour de grandes demeures, des lieux de culte et des bâtiments publics à travers les États-Unis et à l’étranger, notamment au Canada, au Mexique, à Cuba et en Suisse. Beaucoup documentent des œuvres qui ont depuis été perdues, endommagées ou détruites, tandis que d’autres préservent des idées que l’atelier de Tiffany n’a jamais pu concrétiser — offrant ainsi aux visiteurs un véritable aperçu de concepts qui, sans cela, auraient disparu.

La pièce maîtresse de l’exposition est une réunion attendue depuis des décennies : le vitrail monumental du Chrysler Museum of Art, intitulé « Woman in a Pergola with Wisteria » (1911), sera exposé aux côtés de ses impostes originales ornées de glycines, récemment redécouvertes dans une maison privée en Arizona.

La conservatrice Alice Cooney Frelinghuysen parle d’« un moment particulièrement fort, qui permet aux visiteurs de voir la transformation d’une idée en une œuvre d’art lumineuse », et c’est la première fois que l’ensemble est présenté au complet depuis au moins un demi-siècle.

Organisée par thèmes autour de commandes domestiques, ecclésiastiques et publiques/commerciales, l’exposition associe directement une sélection de dessins aux vitraux, mosaïques, émaux et lampes qu’ils ont inspirés, permettant ainsi aux visiteurs de retracer tout le parcours d’un motif, de l’esquisse au graphite au vitrail fini.

Organisée à juste titre dans la rue même dont elle retrace l’histoire, c’est la toute première exposition à retracer les 500 ans d’histoire du Bowery, la plus ancienne artère de New York, depuis le sentier des Lenapes jusqu’au quartier des sans-abri, puis au cœur battant du monde de l’art contemporain.

Organisée par la directrice émérite Lisa Phillips avec l’aide de l’assistante de conservation Thalia Stefaniuk, l’exposition rassemble des œuvres d’art et des objets qui considèrent le Bowery non seulement comme une rue ou un quartier, mais comme un état d’esprit— défini par les extrêmes.

L’exposition retrace les nombreuses vies de cette rue : terres agricoles et transhumances, hippodromes et jardins d’agrément, puis un quartier de divertissement bruyant regorgeant de théâtres, de salles de concert, de salons de tatouage et de « dime museums ». Cette réputation de quartier turbulent, brut et musclé lui a finalement valu le surnom de « Devil’s Mile » — bien avant qu’il ne devienne le quartier des sans-abri le plus tristement célèbre au monde, et bien avant qu’il ne se transforme en une communauté d’artistes florissante qui a marqué le début d’une nouvelle réinvention.

Les personnages qui peuplent ce spectacle couvrent plusieurs siècles et disciplines, de Peter Stuyvesant, P.T. Barnum et Jacob Riis à William Burroughs, Eva Hesse et Keith Haring — une brochette qui montre bien combien de New-Yorks différents se sont croisés sur cette seule portion de Manhattan.

C’est un sujet tout à fait approprié pour le New Museum, d’autant plus que l’institution elle-même est installée dans le quartier de Bowery, désormais dans son bâtiment récemment agrandi et conçu par OMA.

M.C. Escher aà peine réussi son examen final de maths au lycée, mais il a pourtant créé certaines des œuvres d’art les plus sophistiquées sur le plan mathématique du XXe siècle — et cet automne, le MoMath raconte enfin cette facette de son histoire.

Il s’agit de la première grande exposition consacrée à Escher à Manhattan, qui se distingue des précédentes rétrospectives en explorant spécifiquement les structures mathématiques qui sous-tendent son architecture impossible, ses pavages et ses paradoxes visuels.

L’exposition rassemble plus de 60 gravures sur bois, lithographies, xylographies, mezzotintes et dessins, ainsi que les blocs de bois originaux et la pierre lithographique sur lesquels Escher a travaillé, aux côtés d’objets en trois dimensions qu’il a lui-même conçus. Des supports pédagogiques disséminés dans les galeries décryptent la symétrie, l’infini, la géométrie et la perspective inhérents à chaque œuvre, permettant aux visiteurs de retracer comment une « théorie de profane » autodidacte sur les formes qui remplissent un plan s’est transformée en certaines des illusions d’optique les plus reconnaissables de l’histoire de l’art.

L’exposition a été mise au point en collaboration avec un groupe de spécialistes d’Escher véritablement de premier plan, parmi lesquels Doris Schattschneider, experte de longue date, Chaim Goodman-Strauss, mathématicien chargé de la vulgarisation au MoMath, Jürgen Richter-Gebert, professeur à l’Université technique de Munich, et David Masunaga, un ami de la famille Escher.

Cet espace ludique et sensoriel investit la Court B, au niveau 3 du centre commercial American Dream dans le New Jersey, transformant un ensemble complet de huit salles thématiques en un univers surréaliste et coloré, presque entièrement construit à partir de bulles.

Les visiteurs passent d’installations de bulles géantes à un véritable bain moussant (chaussettes obligatoires), en utilisant la réalité virtuelle, des simulateurs et des illusions d’optique pour faire appel à tes cinq sens au cœur de paysages fantastiques et oniriques.

C’est conçu pour tous les âges : l’entrée est gratuite pour les enfants de moins de 2 ans et les moins de 18 ans doivent être accompagnés d’un adulte, ce qui en fait autant une sortie familiale qu’une occasion de prendre des photos originales.